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Al cumplirse el septuagésimo quinto aniversario de la realización de Guernica, la más célebre obra de Picasso, y clave de bóveda de la Colección del MNCARS, los responsables del museo madrileño –con la colaboración de Acción Cultural Española– han decidido centrar en la pintura del malagueño un ambicioso proyecto entorno al arte internacional de los años treinta del siglo pasado.

Fueron primero una serie de trabajos de investigación de mano de especialistas principalmente foráneos, que concluyeron en el seminario del mismo celebrado hace un año –recogidos en su mayoría en el denso catálogo– y que complementaron una conferencia y una mesa redonda entorno al Guernica y otro seminario dedicado a la II República española.

Tiene su centro neurálgico en la exposición que reseño, comisariada por Jordana Mendelson, Rosario Peiró, jefa de colecciones, y por Manuel Borja-Villel, su director; y se complementa con una mesa redonda del equipo curatorial y un extenso ciclo de cine comisariado por Karen Fiss, Flores azules en un paisaje catastrófico. El cine de 1930.

El museo Guggenheim Bilbao continúa con las celebraciones de su XV aniversario sumando a su excelente programación expositiva un nuevo éxito: recuperar al Claes Oldenburg de los años sesenta. Artecontexto participa junto a otros diez bloggers procedentes de Italia, Francia y diferentes lugares de España en una preview de la exposición dedicada al pionero del Pop Art que podrá verse en Bilbao hasta el 17 de febrero. Este vídeo de nuestra visita resume la experiencia que nos permitió conocer de primera mano las fuentes de inspiración del Oldenburg más genuino 

La extensa muestra Claes Oldenburg: Los años sesenta, comisariada por el conservador del mumok de Viena, Achim Hochdörfer, y patrocinada por la Fundación BBVA, recoge doscientas sesenta obras que viajarán con posterioridad al Museo de Arte Moderno de Nueva York y al Walker Art Center de Mineápolis. Aunque conocido internacionalmente por sus proyectos de arte público, gigantescos objetos cotidianos realizados en colaboración con su esposa, la escultora y crítica Coosje van Bruggen, la obra de Oldenburg posee un germen callejero. Cartón, alambre y papel de periódico entre otros materiales modestos construyen las piezas de la instalación que abre la muestra, La Calle (The Street, 1960). Los comienzos siempre son esclarecedores y en este caso, lo que demuestran estas primeras obras de Oldenburg es que la acidez y la crítica social ya estaban presentes mucho antes de que sus obras encajaran con los parámetros del Pop Art. No sucede así con la pulcritud de los acabados brillantes y facturas impecables que surgen a medida que Oldenburg consolida su carrera artística a nivel internacional.

¿Qué entendemos hoy por “lo público”? Etimológicamente publicus es lo que afecta a “todo el mundo”, de ahí que el “espacio público” sea concebido como el lugar de interacción social cotidiana y expresión de toda una comunidad. Y son muchos los procesos artísticos que lo han invadido y estudiado, detectando fisuras y posibilidades en un ámbito concreto, “estados de encuentro” y zonas de conflicto y negociación.

La reflexión sobre el espacio público y la arquitectura que lo configura es el tema que da unidad al ciclo más coherente de La Conservera hasta la fecha, abordando el contexto de la propia institución y las formas de organización y medida con las que fundamos nuestro entorno.

La intervención central es La conquista del espacio, del arquitecto Martín Lejarraga, en la Sala Verónicas. En esta antigua iglesia se alza ahora una gran playa, un espacio público ideal construido para hablar de lo que compartimos en un lugar. Así, bajo el cielo proyectado por Ken Murphy, se despliega un ambiente de intercambio social: el trueque como forma de relación, actividades en la sala propuestas por los visitantes o entrevistas a distintos ciudadanos sobre lo que falta o sobra en Cartagena, hechos que fomentan lúdicamente la participación como antídoto a la arquitectura autorreferencial. Esto se completa con proyectos arquitectónicos y testimonios de teóricos sobre qué es el espacio público, ahora sentido como propio por los espectadores.

La utilización del lenguaje en el arte desde los años 60 ha estado vinculada a estrategias conceptuales pues suponía un deslizamiento hacia la idea y procesos analíticos. Desde ahí el lenguaje-texto constituye un mensaje para ser leído. Sin embargo las tecnologías de la computerización y la proyección han establecido nuevas condiciones de lectura y visualización, estableciendo en primer lugar una vinculación del texto-lenguaje-palabra con el movimiento y en segundo lugar (consecuentemente) con la percepción visual y las imágenes, a la vez que con su lectura como código de signos, en su referente simbólico, pero no necesariamente desde su sentido textual. El mensaje de este “texto” se sitúa pues en un segundo nivel, que no es subalterno pero que resulta solo comprensible o decodificable a partir de la inmersión previa en el ámbito sensorial.

El trabajo de Charles Sandison, nacido en Escocia en 1969 y residente en Finlandia desde hace 17 años, ha desarrollado un trabajo basado en el texto para convertirlo en imagen en movimiento. Su formulación estética tiene tanto que ver con una cierta idea de pintura expandida y desmaterializada, como con un sutil análisis de la cultura y de la ciencia desde las herramientas de la computerización y mediante programas controlados por algoritmos de dinámica molecular, que son los que convierten a signos y palabras en imágenes.

Podríamos narrar la historia de una ambición: la pretensión de contarlo todo. Blumenberg recogió en los últimos capítulos de La legibilidad del mundo este deseo literario desde Novalis hasta Humboldt, una aspiración que no puede sino conducir a la insatisfacción que reside en su imposibilidad.

Aunque el título Contarlo todo sin saber cómo parece remitir a uno de estos intentos, no es su trama principal, más bien la asunción de un problema. Consciente de esta dificultad, Martí Manen se pregunta «qué se puede y qué se quiere contar desde el arte» y, al hacerlo, es inevitable la cuestión sobre «cómo contar y qué contar», convirtiendo este proyecto en un interesante experimento sobre la narratividad.

De hecho, muestra obras en las que hay algo por “reconstruir”: el pasado de una nación o la trama tras un código western, mientras sentimos la extrañación que reside en The House de Eija-Liisa Ahtila o nos fascinamos con Outwardly from Earth’s Center, de Rosa Barba, quien desde estrategias documentales genera el relato de una isla que se desplaza hacia el norte.