ARTÍCULOS

La gran retrospectiva del fotógrafo norteamericano Emmet Gowin (Danville, Virginia, 1941), que ofrece la Fundación Mapfre, nos muestra a un autor original y sensible que ha gozado de menor difusión de la que merece. De hecho, esta es su primera exposición en España y la más amplia que se le dedica en Europa. Las doscientas fotografías que se muestran abarcan toda su producción, desde 1963 hasta hoy; su trabajo más reciente (fotografías aéreas de la comarca de Guadix-Baeza) pertenece a 2012 y ha sido realizado expresamente para esta exposición.

Las diferentes vías que ha transitado Emmet Gowin configuran una trayectoria que desde mediados de los años sesenta experimenta en el medio fotográfico sin perder de vista a los grandes clásicos, como Eugène Atget. Observador minucioso, su mirada se detiene en los aspectos mínimos y cotidianos del mismo modo que en los escenarios inabarcables.

Recomendable lectura la que nos ofrece este viejo roquero, filósofo por formación, musicólogo, compositor y poeta –Premio Nacional de Músicas Actuales 201– con amplia obra musical y literaria publicada, desde el barro fértil del Ebro y empapado de otros muchos caudales hídricos y culturales, y que acomete en su libro “El ritmo perdido” (editorial Península) indagando el rastro musical negro a través de nuestra historia y huellas sonoras.

Compleja labor en esta tierra cruce de pueblos, de fronteras desplazadas una y otra vez, donde unos encontraron cobijo y otros debieron abandonar por la fuerza, con la añoranza de un regreso que no fue. Y todos con sus recuerdos en canciones y bailes que ayudaban a mantener cohesión e identidad, y consolaban la tristeza de todo un mundo perdido. Hay también referencias de músicos viajeros de culturas lejanas o de esclavas cantoras de uno y otro credo cuyo rastro nos lleva por cauces y fuentes históricas o literarias muy diversas.

El arquitecto y el hombre moderno siempre han escapado del silencio en busca de lo universal, demostrando cierta nostalgia por un “habitar armonioso”, es decir, están abocados a la búsqueda de un lugar seguro, de una intimidad confortable, como utopía de “transparencia”, donde la armonía del adquirir una residencia, una casa, se cumpla mostrándose con claridad.

Este sentimiento de nostalgia no puede sino entenderse en relación con la asunción de vivir en la era de la máquina, que afecta a todas las formas de vida y –cómo no– al Movimiento Moderno en arquitectura. Esta afirmación no extraña si recordamos cómo el joven Le Corbusier ya describió Berlín como una gran “máquina”, cuya brutalidad debía asumir para ser contemporáneo. Son estas las circunstancias de un movimiento que no es sino fruto de un siglo terrible que también fue capaz de soñar utopías.

Son precisamente estos frutos de una imaginación positiva lo que recoge, como momento gozoso e internacional, RE: COLECCIÓN, una exposición que muestra la selección realizada por Inés Caballero de la colección de postales de arquitectura del siglo XX del arquitecto Rafael Cazorla. Gracias a estas postales podemos observar las derivas internacionales del Movimiento Moderno, particulares ecos que adoptan influencias locales, si bien mantienen las características principales de esta corriente, como la simplificación de formas, presentando cómo estas confluencias hacen de esta tendencia universal un lenguaje más rico, lo que aumenta los matices y la complejidad de un lenguaje que alcanza paisajes significativamente diversos.

Entre las propuestas de los jóvenes comisarios seleccionados en la última convocatoria de Inéditos, llama la atención PEOPLE HAVE DE THE POWER, que, comisariada por Luisa Espino, es una de las tres exposiciones que se presentan en La Casa Encendida.

El espacio público, que históricamente ha sido el lugar de la convivencia y la socialización, se convierte progresivamente en un espacio para el tránsito acelerado, invadido por los soportes publicitarios y los reclamos al consumo. Sin embargo el ciudadano se resiste a perder su derecho a disfrutarlo y administrar su uso de formas diferentes a las que impone la sociedad de mercado a la búsqueda, siempre, de rentabilidad económica. Y es en momentos de hartazgo, como los que vivimos, cuando la gente toma la calle no tanto para “invadirla” sino para vivirla desde un sentimiento de comunidad. Esta exposición habla precisamente de la gente y la calle, y de cómo determinadas prácticas artísticas llevan décadas interviniendo junto a los movimientos sociales en este territorio. Ante un tema de semejante amplitud, Espino ha acotado su análisis mediante una cartesiana categorización: actores, mensajes y escenario.

Una de las más interesantes exposiciones que se pueden ver ahora en Madrid la encontramos en el Círculo de Bellas Artes, patrocinada por la Fundación Banco de Santander, su título: MUJER. La vanguardia feminista en los años 70. Obras de la SAMMLUNG VERBUND de Viena.

Siendo el cuerpo el tema de esta edición de PhotoEspaña, la 16ª –tercera y última que dirige Gerardo Mosquera– resulta de lo más oportuno revisar cómo el pensamiento feminista se planteó, entre sus más urgentes tareas, producir un contradiscurso de la representación de “la mujer” y “lo femenino”. Esta colección, que llega de Viena, fue creada hace apenas nueve años y ha logrado reunir un buen número de obras capitales de aquellas pioneras. Uno de los atractivos de la muestra es la reunión de artistas y piezas sobradamente conocidas junta a otras que lo son mucho menos, incluso aparecen obras y autoras escasamente difundidas.