NOTICIAS

El CAAC de Sevilla acoge "Días y noches" de Salomé del Campo. 

Los estudios visuales, que alcanzaron su momento álgido con el cambio de milenio, han analizado desde distintas disciplinas la ingente circulación pública de imágenes. La pintura por el momento mantiene su pertinencia en la producción de significado cultural pero, al menos la más contemporánea, ha perdido su papel preponderante en la distribución global de la representación. En este contexto es donde Salomé del Campo (Sevilla, 1961) ha desarrollado su trayectoria desde la segunda mitad de los años 80 hasta la actualidad. De hecho, su producción pictórica podría entenderse como un análisis de determinadas imágenes que proceden de distintos canales de distribución de la visualidad actual, como por ejemplo, los relacionados con la cotidianidad, la experiencia o la misma historia del arte.

Su manera de trabajar, produciendo por lo general series cortas, a veces de sólo dos cuadros, se trata de reflejar en esta exposición de media carrera que, cronológicamente, se inicia con su producción de los 90 a través de tres monocromos. Gris, rojo y azul son los tonos de las obras en la gran sala donde se han reunido. Quizás todo parta de la propia historia del arte. El más antiguo de todos ellos, que hace referencia a Piranesi, podría inspirarse en la grisalla, lo mismo que la serie Demoliciones lo hace en los medios de masas "en blanco y negro". Sin embargo, el monocromo tiene en la historia de la abstracción su propio capítulo y el azul de Prusia fue el color predominante utilizado por Picasso en su etapa azul.

La extrañeza y la ambivalencia son otras características de sus cuadros, que se ha querido resaltar iniciando el recorrido expositivo en su serie Canchas, donde todo parece lo más normal del mundo, pero esa cotidianidad inquieta de una manera similar a como lo hacen los cuadros de Edward Hopper. El reverso de la normalidad también aparece en la siguiente sala, tal y como también sucede en el cine de David Lynch. Ronda de noche no sólo actualiza una conocida obra de Rembrandt, sino que, junto a los jóvenes que ocultan sus rostros, introduce aquello que inquieta y que puede salirse de la norma.

El nexo de unión entre las diferentes salas son las obras en torno al mural La nave, proyecto que señala la representación dentro de la representación siguiendo la tradición del cuadro dentro del cuadro para, como en los estudios visuales, analizar todo aquello que a priori no encontramos en una mirada ligera.

Comisariado: Juan Antonio Álvarez Reyes / Yolanda Torrubia Fernández
Hasta: 29 de agosto de 2021 

El Museo de la Universidad de Navarra expone Ana Teresa Ortega. Pasado y presente, la memoria y su construcción

Este proyecto toma como punto de partida la exposición Visión-revisión de 1990, y como cierre sus últimos proyectos, realizados en la última década, algunos de los cuales se muestran por primera vez al público. Sus foto-esculturas evolucionan hacia obras de gran hondura conceptual y reflexiva mientras van ganando en ligereza al adoptar nuevos materiales. El hierro y el acero de su origen dan paso a los metacrilatos y soportes transparentes, mientras la autora nos invita a reflexionar en torno a la idea de la memoria y su construcción.

Ana Teresa Ortega nace en Alicante en 1952. Comienza su producción fotográfica en los años 90. Es profesora titular de la Facultad de Bellas Artes de Valencia y codirectora del Máster en Fotografía, Arte y Técnica de la Universidad Politécnica de Valencia. Su trabajo tiene como elemento central la fragilidad de la memoria histórica. Su obra reflexiona sobre los media como territorio de dominación y su efecto en una sociedad que ha olvidado como se piensa históricamente, el tema del exilio como evocación alegórica de diversas formas de olvido y exclusión así como la disolución de la memoria de la historia que desde diferentes estrategias discursivas incide en cómo nuestra cultura se ha construido y se construye en buena medida sobre la desmemoria, sobre el olvido intencionado. Estos temas van a ser tratados de manera reiterada y constituyen la piedra angular de su trabajo.

El catálogo, producido en coedición con la Generalitat Valenciana, el volumen recoge la producción de Ana Teresa Ortega desde los años noventa hasta la actualidad. El proyecto toma como punto de partida la exposición Visión-revisión de 1990 y como punto de cierre sus últimos proyectos, realizados en la última década.
A lo largo de sus páginas, el lector se verá acompañado a través de los procesos que impulsan la evolución de los intereses surgidos de sus primeros proyectos, la adopción de otras perspectivas surgidas ora de la incorporación de otros materiales -metacrilato, soportes transparentes…- como de nuevas figuras que van sucediéndose al hilo de su reflexión e investigación en torno al paso del tiempo y la memoria histórica. La serie de proyectos consecutivos arranca con Cartografías silenciadas, continúa con De trabajos forzados y se cierra con Lugares del saber y exilio científico y Presencias sombrías. Una larga investigación en los diferentes archivos que custodian información relevante sobre el golpe de estado franquista y la posterior Guerra Civil.

Comisariado: Pep Benlloch 

Formada en la entonces denominada Escuela Superior de Bellas Artes de Bilbao, Juncal Ballestín (Vitoria-Gasteiz,1953-2015) desarrolla una obra que se caracteriza por la pluralidad de materiales, medios y técnicas empleados: pintura, dibujo, instalación, vídeo, obra gráfica… todas ellas estructuradas en series, de las que destaca, por su troncalidad y duración, la dedicada a la pintura titulada Pintura. Apología, 1975-2013. Renuente a las palabras como medio de «comprender» el trabajo del arte, deja escrito en el catálogo de la exposición en la Sala Amárica –1993, sin texto comisarial– algunas notas sobre las necesidades, sensaciones y materiales a modo de acercamiento a su trabajo:

«Respeto demasiado el tiempo de todos nosotros. Siempre he agradecido la claridad escueta en las palabras. Prefiero dejar amplia y libre la imagen.

Solo considero necesario explicar el cómo y el porqué del proceso que da origen a mis trabajos, introducir con sencillas apreciaciones la diversas series.

Algunos de los objetos y materiales llegan a mí por azar, traídos por las inclemencias del tiempo (un fuerte viento que derriba un árbol y, con él, cae la hiedra que lo abraza). Otros, por las labores propias del campo, como la poda o la búsqueda de “tutores” para la huerta. O quizá aparecen por hallazgo de algunos amigos que, sensibilizados con mi forma de trabajar, rescatan o me informan de la existencia de los más variados elementos. (…)

Esta forma casual de llegar a los materiales, y el deseo de trabajarlos, no son siempre fenómenos rápidos directos, sino que la mayor parte de las veces, esos objetos esperan años a ser redes cubiertos en el almacén. Es entonces cuando son incluidos en una u otra serie de pintura ya planteada».

Una labor pausada y ajena a las formas y ritmos de producción vertiginosos impuestos en el hacer del presente que dejan ver una especie de «ascesis» en su dilatada trayectoria: «Alejada de los circuitos habituales del arte, Juncal Ballestín ha cimentado su trabajo alrededor de la lentitud y la contemplación. Interesada en los procesos, su mirada reflexiva (ex)pone la experiencia estética frente a las cosas tal cual son, siendo este ser un devenir siendo: soy aquí ahora», se apuntaba en uno de los textos producidos con motivo de una de las últimas muestras individuales realizadas por la artista en la Galería Trayecto.

Destacan sus primeras exposiciones individuales en la galería Eder Arte de Vitoria-Gasteiz (1978), la Galería Rekalde de Bilbao (1979) y la Sala Araba (1980), así como las que posteriormente realizó en la Sala Amárica (1993), en la galería CM2 (1996), en Trayecto Galería (1998, 2005 y 2008) y en el Centro Cultural Montehermoso (2008). Su obra está representada en las colecciones del Museo Artium, del Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz, de la Fundación Vital y de la Biblioteca Nacional, entre otras instituciones.

Comisariado: Fernando Illana