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La exposición “¡Ratas! ¡Ratas! ¡Ratas!” toma el hack como acto poético y gesto político a partir de una selección de obras que representan múltiples medios y distintas generaciones de artistas. Entre ellos figuran Antoni Muntadas, Eve Sussman, Elena Asins y Gordon Matta-Clark, que irrumpen con gramáticas virtuales para revelar un espacio liminal donde poder imaginar alternativas a los relatos hegemónicos y formular historias en una realidad sustituta. En consecuencia, la muestra se transforma en una estructura de relectura política que propone un ejercicio a través de la evocación poética de la alteridad, la sensibilidad del código digital y los léxicos tecnológicos disidentes. 

En 1903, Guglielmo Marconi quiso presentar al público londinense el primer mensaje enviado de forma inalámbrica. Antes de empezar, el aparato receptor emitió un mensaje en código morse que decía “¡Ratas! ¡Ratas! ¡Ratas!”, seguido de varios insultos hacia el científico y los allí presentes. La radio no era un canal privado como Marconi lo había hecho parecer; los mensajes inalámbricos podían ser interceptados e interferidos. Este corto e intrusivo fragmento se convirtió en el primer hack de la historia.

Aunque hackear suele hacer referencia a infiltrarse en un medio informático, cualquier dominio de la naturaleza puede introducir algo virtual, entendido como algo que tiene presencia aparente y no real. Por lo tanto, todo puede ser hackeado. Un hack es una forma de intervenir en dicha naturaleza y desvelar tanto los poderes productivos como los destructivos. El hacking genera un estado de posibilidad y hace visible un acto de imaginación. Inevitablemente este gesto se convierte en político, pues abre una ventana hacia nuevas demandas, expectativas y deseos.

Foto: © Eva Sussman

La Sala Recoletos de la Fundación Mapfre presenta una exposición de Jorge Ribalta (Barcelona, 1963), quien es comisario, crítico de arte y fotógrafo, actividades que ha compaginado desde el inicio de su trayectoria en los años 1980. En 2005 su trabajo experimenta un cambio radical que lo divide en dos períodos opuestos, al menos en su concepción de base. Durante el primero de ellos, su obra se focaliza en explorar poéticamente el naturalismo construido de la fotografía, mientras que en el segundo reorienta sus proyectos hacia una reinvención del documental.

La primera exposición de Jorge Ribalta tuvo lugar en la galería Metrònom de Barcelona en el festival Primavera Fotográfica de 1988. A finales de 1980 y principios de 1990 disfrutó de varias estancias en Estados Unidos, principalmente en Nueva York y Chicago, y en 1994 organizó su primera exposición en la Zabriskie Gallery, coincidiendo con su participación en la exposición New Photography 10, la influyente selección internacional anual de artistas emergentes que organiza The Museum of Modern Art [MoMA].

Como parte de su faceta como gestor cultural, fue director del Departamento de Programas Públicos del Museu d’Art Contemporani de Barcelona [MACBA] entre 1999 y 2009 y ha sido editor de varios libros de fotografía que son obras de referencia: Indiferencia y singularidad. La fotografía en el pensamiento artístico contemporáneo (1997, reeditado en 2003) o El movimiento de la fotografía obrera, 1926-1939 (2011). También ha sido colaborador habitual del periódico La Vanguardia, asesor de la colección de fotografía de la editorial Gustavo Gili y publica regularmente artículos y ensayos en diversos medios. Su obra ha podido verse en numerosas exposiciones colectivas y ha tenido monográficas en Madrid, Barcelona, Nueva York y París, así como en Salamanca o Cáceres. 

La Sala Verónicas presenta, bajo el comisariado de Pedro Medina, una retrospectiva de Tomy Ceballos, figura esencial de los nuevos comportamientos fotográficos en España. Es reconocido como gran renovador del fotograma –no mediando cámara alguna en la producción de la fotografía–, gracias al uso poético y onírico que hace del mismo, ofreciendo desde finales de los ochenta una amplia gama de propuestas formales, que van evolucionando en diálogo con otras técnicas y siguiendo aspiraciones como la búsqueda de volumen de la escena fotografiada. Por ello, su obra manifiesta una constante inquietud, que se traduce en la incesante investigación acerca de las posibilidades artísticas de la fotografía.

Su retrospectiva no se plantea cronológicamente, sino como el intento de captar la esencia de la imagen fotográfica, entendida como la “presencia de una ausencia”, tal y como describe Plinio el Viejo el término “imagen”. De hecho, la ambigua formulación del título de la exposición intenta identificarse con esta definición, planteando un escenario de reflexión donde aparecen simultáneamente presencia y ausencia, rastro pasado y potencia futura, sin querer fijar una única aproximación a la obra.