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Elena Asins (España, 1940-2015) fue una artista polifacética, cuya obra se encuentra en la intersección entre la lógica, la lingüística, las matemáticas, la filosofía, la música, la tecnología, la arquitectura y las artes plásticas. Pionera en el arte conceptual y cibernético, Asins tuvo una formación experimental y multidisciplinar. Se formó en la Escuela de Bellas Artes de París, en la Universidad de Stuttgart, donde estudió semiótica de la mano del profesor Max Bense, en el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid y en la New Schoolfor Social Research y en la Columbia University (Department of Computer Science: Computer Art) en Nueva York.

Todos los aspectos de su vida, desde los más íntimos y cotidianos hasta los más públicos, a través de su obra, podrían englobarse bajo el término Gesamtkunstwerk, la obra de arte total. Esto comprendería no solo sus maquetas para un proyecto de ciudad, sus esculturas públicas, sus partituras abstractas basadas en los cuartetos prusianos de Mozart,sus esculturas en alabastro y piedra negra de Zimbabwe, sus figuras megalíticas, sus dibujos digitales, etc., sino también sus cartas y anotaciones personales, el aislamiento de su casa en Navarra, su vida solitaria,la ropa que vestía, ysu manera de ver la televisión, todo ello en blanco y negro, todo ello parte de su pensamiento, expresión y lenguaje. Asins no establece una distinción entre arte y vida, entre arte y no arte, sino que entiende el “ARTE dentro de la vida (una vida como arte y un arte como vida)”.[1]

De esta manera, la estructura, el orden y la lógica impregnan su vida y su carrera artística, dando lugar a esa Gesamtkunstwerk, que tiene un carácter claramente procesual y experimental, adjetivos ambos inseparables de su obra. Según la propia artista, “lo importante es el pensar sobre la realización de una obra, el estudio, el encontrar,” es decir, el proceso, la búsqueda, el concepto y el pensamiento detrás.[2]

A través de recursos expresivos como la variación, la repetición y la geometría, siempre con una base lógica y matemática, Asins desarrollaba su lenguaje, materializado en obras de gran serenidad, elegancia y rigurosidad. En palabras de la propia artista, “no me guío por criterios de belleza, sino por criterios de la lógica y de la ética matemática. Estamos ante un algoritmo, entonces, si yo quito una figura o la modifico, estoy mintiendo.”[3] Se trata, pues, de una estética algorítmica, ligada también al mundo de la programación, de la informática y del lenguaje binario, de ceros y unos, de positivos y negativos, de blancos y negros. Su obra se construye a través de combinaciones, de repeticiones, de variantes y variables matemáticas, que constituyen los posibles estados de la realidad, de las cosas y de la existencia. Seguidora ferviente de la filosofía de Ludwig Wittgenstein, Asins refleja su pensamiento a través de su obra, en su intento de dibujar digitalmente un cubo de cuatro dimensiones, o en su creación de “objetos [que] contienen la posibilidad de todos los estados de cosas.”[4][5]

Según Wittgenstein, “el pensamiento contiene la posibilidad del estado de cosas que piensa. Lo que es pensable es también posible.”[6] Pareciera que la obra de Asins fuera un constante recordatorio de esta afirmación del filósofo austriaco. Cada pensamiento de la artista se traduce en un objeto, que contiene una de las posibilidades del ser, de la existencia, que ella acompaña de otras múltiples variantes, de otros objetos, cada uno de ellos con sutiles alteraciones apenas perceptibles al ojo humano. De estas variantes, ninguna es completa en sí, de manera individual, inerte y aislada, sino que se interrelaciona con los demás objetos, con el entorno y con el propio espectador, sin el cual no se produciría la comunicación, la transmisión del significado y el sentido del arte. Se trata de una concepción del arte que no es estática, sino que también incorpora y depende de aquellas ideas que genera en quien contempla, convirtiendo el encuentro entre espectador y obra en un llamamiento al pensamiento y a la introspección.

Queda, por tanto, patente que la obra de Asins parte del pensamiento y del lenguaje, ya sea filosófico, algorítmico, matemático o artístico. Como mediador entre el pensamiento y la obra actuaba en la mayoría de los casos el ordenador, casi desde los comienzos de su carrera artística. El primer encuentro entre la artista y su cómplice tecnológico tuvo lugar en el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid, cuando a mediados de los años 60 llegó por primera vez a la universidad española una computadora, la máquina IBM. Desde entonces, su interés por la programación, por la relación y comunicación entre humano y máquina fue en aumento. Como bien indica Miguel Ángel Valero Espada, “crear con un ordenador es el arte de comprender la naturaleza de lo digital, entender los principios que rigen el pensamiento de las máquinas”.[7]

Precisamente es esta la constante en la obra de Asins: esa búsqueda permanente del entendimiento y la comunicación a través de diferentes lenguajes y disciplinas, dando lugar a obras sinestésicas, difíciles de clasificar, situadas en el paréntesis, en la intersección, en el silencio y en la pausa, situadas entre lo bidimensional y lo tridimensional, lo artificial y lo natural, lo tangible e lo intangible, la presencia y la ausencia, el vacío y la plenitud. Al desprenderse del adorno, del color, e incluso, en ocasiones, de la impronta humana, Asins se decanta por la elegancia de la línea digital, la serenidad de la estructura lógica y la sutileza de las formas geométricas puras, sin ello implicar un abandono del misterio o de la magia que llevan al ser humano a asombrarse o sobrecogerse con esa obra de arte total (Gesamtkunstwerk)de Asins.

Texto de Jessica Janeiro Obernyer
Proyecto de Galería Freijo en Galería Trinta.
Comisariado: Angustias Freijo

Hasta: 12 de septiembre 2021

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[1]E. Asins (1984). En Elena Asins. Fragmentos de la memoria (2011), cat. exposición. Madrid: MNCARS, 204.
[2] Elena Asins, en J.Robledo-Palop (2011). “La desaparición de la imagen. Conversación con Elena Asins”. Forma. Revista d’estudiscomparatius. Art, Literatura, Pensament. Vol. 4 (pp. 43-52). Barcelona: Universidad Pompeu Fabra, 47.
[3] Elena Asins, en J.Robledo-Palop (2011). “La desaparición de la imagen”, 47.
[4] En su obra ZETTEL. LUDWIG WITTGENSTEIN. Table V (…, c-2b+a, d-2c+ b, e-2d+c, …), realizada en 1987 en Nueva York, Asins trata de llevar a cabo la propuesta del filósofo de imaginarse un cubo de cuatro dimensiones, que mencionó en sus conocidos Zettel (Papeletas), un conjunto de fragmentos que el autor guardó con el objetivo de incorporarlos en futuros textos, y que escribió entre 1931 y 1948.
[5]L. Wittgenstein (2009, basado en el original, publicado en el año 1921), Tractatus Lógico-Philosophicus. Investigaciones filosóficas sobre la certeza. Madrid: Editorial Gredos, 11.
[6]Ibidem., 19.
[7]Espada, M. V. (2012). “Elogio a la programación”. En Del cálculo numérico a la creatividad abierta. El Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid (1965-1982), cat. exposición. Madrid: Centro de Arte Complutense (c arte c), 59.
 

El Centro Botín acoge la exposición PICASSO IBERO, la primera muestra de esta importancia que explora la influencia del arte ibero en la obra de Pablo Picasso a través de más de 200 piezas.

Organizada en colaboración con el Musée national Picasso-Paris y comisariada por Cécile Godefroy, con Roberto Ontañón Peredo como comisario asociado, y con la coordinación para el apartado ibero de Pierre Rouillard, se trata de una original confrontación, tan estimulante como espectacular, que brinda al visitante la posibilidad de reflexionar sobre cómo el descubrimiento de un arte autóctono y “primitivo” contribuyó a la formación de la identidad y el lenguaje artístico de uno de los mayores artistas del siglo XX.

Pablo Picasso (1881–1973) descubrió el arte ibero en 1906, en la sala de antigüedades orientales del Louvre, a través de algunas esculturas como las del Cerro de los Santos (Albacete) o la “Dama de Elche”. Este hallazgo le llevó a elaborar en los meses sucesivos varias obras -dibujos preparatorios, esculturas y pinturas- directamente inspiradas en la estatuaria monumental en piedra y en los pequeños exvotos de bronce que contempló en sus visitas al museo. Todo ello supuso un punto de inflexión en su investigación formal y le llevó desde una obra más clásica hasta el salto que representó el cubismo en su trabajo.

PICASSO IBERO ofrece al visitante, a través de un centenar de obras, un panorama completo del trabajo del artista desde su periodo protocubista hasta sus últimos años, al tiempo que examina el fértil diálogo que va desde el período «ibero», del que sigue los desarrollos determinantes que llevaron a Picasso del período rosa a una selección de obras del año 1908, hasta las obras en las que resuenan -formal o conceptualmente- los grandes temas, características y prácticas del arte ibero, siendo estas últimas las que nos llevan hacia sus últimos años de creación y que incluyen una inmensa variedad de técnicas y gestos artísticos.

Se trata, además, de la primera vez que se reúnen en una exposición tal número de piezas arqueológicas para, a través de ellas, descubrir la diversidad del arte ibero valiéndose tanto de esculturas de piedra de gran formato, como de objetos culturales de bronce y cerámica pintada.

La presentación de esas obras se relaciona con Picasso, ilustrando las numerosas conexiones existentes. 

Un total de 65 proyectos de 65 galerías nacionales e internacionales optaban a los 42 estands de la feria. La organización apuesta por mantener el número de estands y su seña de identidad: `42 espacios convertidos en pequeños museos al alcance de sus visitantes´.

Artesantander 2021 presenta una excelente nómina de propuestas y de galerías para esta vigésimo novena edición, en la que logra mantener a las galerías españolas más importantes que ya han participado en las últimas ediciones, como son Moisés Pérez de Albéniz, Espacio Mínimo o La Caja Negra, y además este año presenta en Santander otras galerías españolas importantes, que realizan un destacado trabajo internacional, como la canaria Leyendecker, que acude con un proyecto del artista José Lerma.

Desde la organización de la feria destacamos este hecho y algo que se valora sobremanera por parte de las instituciones que apoyan el proyecto (Gobierno de Cantabria a través de la Vicepresidencia- Consejería de Universidades, Igualdad, Cultura y Deporte; y el Ayuntamiento de Santander): La consolidación de un proyecto internacional de Arte Contemporáneo, en un contexto nacional e internacional difícil, y a pesar de la suspensión de la edición 2020 debida a la crisis sanitaria. Artesantander permanece en el tiempo y suma apoyos e importantes incorporaciones todos los años.

Con una situación marcada por la crisis del coronavirus, también hay que destacar las propuestas internacionales de esta edición seleccionadas y son las siguientes: la galería mexicana Proyecto H Contemporáneo, que vuelve a Artesantander después de su participación en la edición de 2017, la galería británica Nathaniel Pitt que participa por primera vez, la italiana Pick Gallery y la polaca Rodríguez Gallery, estas últimas ya presentes en ferias anteriores. Ha habido otras propuestas internacionales que se han quedado fuera de la selección, lo que da prueba del nivel artístico de este año.

Pero además de la presencia de estas galerías extranjeras, la internacionalidad de esta edición viene dada también por una importante presencia de artistas europeos que participan en la feria, representados por galerías españolas. En Artesantander 2021 podremos ver el trabajo de la artista Alicia Mihai Gazcue, que presenta la Galería Espacio Mínimo (Nacida en Uruguay y radicada en Bucarest); el del portugués José Pedro Croft que presenta la madrileña Caja Negra; o la británica Maya Hewitt, cuya creación artística viene de la mano de la galería madrileña Marta Cervera.

El comité de selección de la Feria ha estado formado en esta ocasión por: Óscar Alonso Molina (crítico de arte y comisario independiente de exposiciones), Beatriz Espejo (crítica de arte y licenciada en Hª del Arte por la Universidad de Barcelona y Máster en Crítica de Arte y Comunicación por la Universidad de Gerona. Responsable de la sección de arte de Babelia de El País), Fer Francés (galerista y comisario de arte contemporáneo), Rafael Ortiz (director de la Galería de Arte que lleva su nombre. Su trayectoria está marcada por una amplia participación en ferias de carácter internacional); y, Blanca de la Torre, (comisaria, crítica de arte).

Cantabria contará con la presencia de varias galerías: Juan Silió, Espiral, Exhibit Lab (primera participación en la feria), Siboney y Espacio Alexandra. Además de contar con la presencia de la artista cántabra Concha García cuyo proyecto presenta la galería madrileña Daniel Cuevas.

Galerías seleccionadas para Artesantander 2021

Galería y Artista para el `Solo Project´

1 A Pick Gallery (Italia) – Julia Carrillo
2 Adora Calvo (Madrid) – Mitsuo Miura
3 ATM (Asturias) – David Martinez Suárez
4 Cànem (Castellón) – Pilar Beltrán
5 Di Gallery (Sevilla) – Raquel Serrano
6 El Devenir Art Gallery (Málaga) – Simon Zabell
7 Espacio Alexandra (Cantabria) – Vicky Kylander
8 Espacio Líquido (Asturias) – Job Sánchez
9 Espacio Mínimo (Madrid) – Alicia Mihai Gazcue
10 Ethall (Barcelona) – Martín Llavaneras
11 Exhibit Lab (Cantabria) – Jesús A. Pérez Castaños
12 Flecha/Nb7 (Madrid) – Jaelius Aguirre
13 Galería Álvaro Alcázar (Madrid) – Maru Quiñonero
14 Galería Ángeles Baños (Badajoz) – Emilio Gañán
15 Galería Artizar (Tenerife) – Marco Alom
16 Galería Daniel Cuevas (Madrid) – Concha García
17 Galería Espiral (Cantabria) – Albano Hernández
18 Galería Herrero De Tejada (Madrid) – Julio Sarramian
19 Galería Javier López & Fer Francés (Madrid) – Yturralde
20 Galería Javier Silva (Valladolid) – Luis Cruz Hernández
21 Galería Juan Silió (Cantabria) – Néstor Del Barrio
22 Galería La Caja Negra (Madrid) – José Pedro Croft
23 Galería Leyendecker (Tenerife) – José Lerma
24 Galería Marta Cervera (Madrid) – Maya Hewitt
25 Galería Moisés Pérez De Albéniz (Madrid) – Nico Munuera
26 Galería Punto (Valencia) – Marina Camargo
27 Galería Rafael Ortiz (Sevilla) – Curro González
28 Galería Silvestre (Madrid) – Almudena Lanceolada
29 Galería Yusto/Giner (Málaga) – Imon Boy
30 JMgalería (Málaga) – José Luis Valverde
31 José De La Mano (Madrid) – Gonzalo Chillida
32 La Gran (Madrid) – Cristina Ramírez
33 My Name’s Lolita Art (Madrid) – Jorge Hernández
34 Ogami Press (Madrid) – Mauro Vallejo
35 Pitt Studio (Reino Unido) – Tony Squance
36 Proyecto H Contemporáneo (México) – Isabel Alonso Vega
37 Puxagallery (Madrid) – Cristina Ferrández
38 Rafael Pérez Hernando (Madrid) – Sabine Finkenauer
39 Rodríguez Gallery (Polonia) – Cristina Mejías-Knot
40 Set Espai D’art (Valencia) – Alberto Gil Cásedas
41 Siboney (Cantabria) – Teresa Moro
42 Vanguardia (Vizcaya) – Asunción Goikoetxea

Artesantander 2021 supone un reto, no sólo por haberse suspendido la anterior edición de 2020, lo será por el obligado cambio de fechas de la mayoría de las ferias internacionales. Por ejemplo, ARCO ha modificado su calendario habitual del mes de febrero a julio de 2021, unos días antes de la feria santanderina.

Esta edición adapta sus fechas también para coincidir con las jornadas presenciales que se realizarán en la UIMP del Curso de Coleccionismo y Arte Contemporáneo que organizado por el IAC y la Asociación de Coleccionistas 9915, viene siendo desde hace siete años un complemento a la convocatoria de la feria, y un refuerzo mutuo.

En este contexto de cambios de fechas de ferias nacionales e internacionales, Artesantander ha encontrado su espacio en el calendario para la organización de la edición en julio de 2021. En este sentido, no se trata de comenzar de cero en la que será su 29 convotoria, puesto que hay trabajo adelantado y coordinado –recordamos que la anulación de la edición del año pasado tuvo lugar en el mes de abril de 2020 y Artesantander ya había comenzado su andadura organizativa-.

En esta edición, sus responsables mantendrán la imagen ya publicitada. El equipo organizativo de la feria tiene muy presente además de las opiniones de las instituciones que colaboran y hacen posible este evento (Gobierno de Cantabria a través de la Vicepresidencia y Consejería de Universidades, Igualdad, Cultura y Deporte del Gobierno de Cantabria y el Ayuntamiento de Santander), la de aquellas galerías que, por ejemplo, este año están en el comité -que son una de Madrid y otra de Sevilla-, y por supuesto la opinión de la Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de Cantabria (AGAC) resulta de especial relevancia, ya que son un apoyo determinante para la feria.

Tres momentos de una feria internacional

Uno inicial, cuando nace impulsada por el rector de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (UIMP) Ernest Lluch, alentada por Francisco Revilla desde Caja Cantabria y dirigida por Mario Antolín. Las primeras ediciones se realizaban y bajo una carpa junto al Palacio de Festivales de Santander.

Un segundo momento cuando traslada su sede al Palacio de Exposiciones y Congresos de Santander, situado en El Sardinero, cambia su dirección, primero de la mano de María José Coromina, pasando por la gestión de la Asociación de Galerías de Cantabria, para recaer posteriormente en Juan González de Riancho.

Y un tercer periodo, el actual, cuando dejó de ser una feria con formato tradicional en 2011 y pasó de ser una feria de stands colectivos a ser una feria de stands de un solo artista. Una feria de proyectos artísticos.

Algunos datos a recordar de la última feria celebrada del 13 al 17 de julio 2019: 7.017 personas visitaron los 42 estands de la feria, en lo que algunos galeristas denominaron un “paseo por 42 micromuseos o por una calle de galerías”. Cinco jornadas en las que destacó la visita de los participantes (este año con un importante incremento de alumnos inscritos) del VII Encuentro de coleccionismo, arte contemporáneo y sociedad. El sector profesional del arte contemporáneo y el coleccionismo un futuro mejor a través del debate (UIMP 2019); dirigido por Isabel Durán, Presidenta del Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) y Jaime Sordo, Presidente de la Asociación de Coleccionistas Privados de Arte Contemporáneo, 9915, en la jornada del lunes 15 de julio.

Artesantander coincidirá en fechas, nuevamente, con el VIII Encuentro de Coleccionismo, Arte Contemporáneo y Sociedad, que tendrá lugar dentro del programa de cursos de verano de la UIMP, bajo el epígrafe en esta ocasión de `España en la esfera internacional del arte contemporáneo. Situación actual y perspectivas de futuro´.