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La Calcogrofía acge la exposición Paisajes escogidos de Ángela Nordenstedt, para quien el dibujo, en un sentido amplio, es su principal línea de investigación, aunque no la única, ya que la pintura y la escultura también están presentes en su obra.

Ángela Nordenstedt nos traslada a una suerte de paisaje oriental hibridado con los jardines de Monet. Contaremos además con la posibilidad de “elegir nuestro propio paisaje” algo insólito e inédito, que se plantea como juego entre la artista y el público. Pero quien mejor nos introduce en este laberinto paisajístico es Luis Francisco Pérez, que dedica este precioso texto a la muestra:

“Seguramente hay lo inexpresable. Éste se muestra…”
Ludwig Wittgenstein, Tractatus logico-philosophicus

La pintura, al igual que la novela escrita en cualquier tiempo que se nos ocurra después de Cervantes, son géneros artísticos tanto clásicos como modernos o contemporáneos que, sin traicionar o alterar sus principales funciones prácticas y operativas, también poseen la cualidad, consustancial a su propia naturaleza, de auto-sacrificarse para seguir existiendo. O de inmolarse y aniquilarse por ella misma con el único fin de ir sumando significados y significantes a una disciplina artística que se diría más joven, actual y necesaria, cuanto más se auto-inmola, o cuando más se la considera “muerta”, para resucitar con más vigor y poder tiempo después de su funeral.

La obra que en esta ocasión presenta en Salamanca Ángela Nordenstedt parte de una consideración intemporal, que no “clásica”, de la práctica pictórica en tanto que crítica de sí misma y como elemento desestabilizador (paradójicamente también esta cualidad lleva incorporado su opuesto, o mejor: su dialéctica negativa) de un proceso creativo –en este caso el paisaje y sus diferentes lecturas, interpretaciones y semánticas- que se nos muestra como un seguro territorio afectivo (es decir: intelectualmente querido y deseado) muy bien sedimentado desde la propia Historia del Arte, y no únicamente Occidental, como bien podemos comprobar en la generosa selección de esta muestra. Pues en esta ocasión se diría que un famoso paradigma del jardín artístico de la cultura occidental –el de Claude Monet en Giverny- se alía con determinadas imágenes de paisajes orientales. Ahora bien, la contribución procedente de culturas muy alejadas físicamente de nosotros, visibles en estos trabajos, posee dos estructuras brillantemente diferenciadas. Una sería la procedente de su propia tradición artística que ha llegado hasta nosotros; y otra, muy importante en mi opinión, sería la influencia más soñada que real. O más cinematográficamente soñada: algunos jardines contemplados en películas del cine japonés clásico, sobre todo en las serenas y deliciosas películas filmadas por el maestro Yasujiro Ozu.

Las obras que ahora contemplamos de nuestra artista se nos muestran a modo de constelaciones, formando entre ellas caminos, senderos, veredas, atajos, laberintos de la naturaleza, cruces, accesos y torrenteras, como si la mano de la creadora tuviera la rara cualidad de ir pintando, con la importantísima ayuda de una sabia y muy serena utilización del color, al mismo tiempo que nombra esa ofuscación de la Naturaleza, esa tan hermosa y temible indiferencia con que ella nos contempla.

Every Day. Ni la palabra ni el silencio es una exposición concebida por Victoria Civera (Puerto de Sagunto, Valencia, 1955) específicamente para el Centro de Arte de Alcobendas. Planteada como una sinuosa travesía entre sus obras, en la muestra, un conjunto de instalaciones recientes dialogarán con piezas emblemáticas de toda su trayectoria. La exposición puede considerarse una suerte de retrospectiva sintética por rescatar lo esencial de su práctica, y detenerse en trabajos que permiten abordar cuatro décadas de trayectoria desplegada en todas las disciplinas: pintura, escultura, instalación, fotografía, vídeo y dibujo.

El punto de partida del proyecto es «el hacer de la artista», la observación del proceso de trabajo solitario que Civera lleva a cabo incansablemente en sus estudios de Nueva York y Saro (Cantabria). Su característico lenguaje híbrido surge de un modo de hacer, en el que la investigación sobre la representación de imágenes y la experimentación con los materiales colisionan con aspectos afectivos y sociales, para generar estructuras que se van puliendo progresivamente, hasta lograr instalaciones de una potente carga sensorial. Poseedora de una gramática propia, con muchas claves privadas, sus piezas tienen el poder de acallar al visitante, pues para disfrutarlas precisan de pocas palabras y muchos silencios.

El uso de objetos cotidianos y de materiales industriales, junto a las técnicas tradicionales, dota a su obra de una atmósfera singular, en la que el debate arte vs. realidad se hace presente, así como el interés por la arquitectura y los temas existenciales e identitarios: la espiritualidad cotidiana, el tiempo y la finitud, o el sujeto femenino y su situación en el mundo.

En la exposición podrán verse piezas icónicas de la artista, como "Aviador Sibila" (2008), "Sueños inclinados" (2009), "Habitación anónima" (1993), "Mal de Jem" (2004) o "A-be-ce-da-rio" (1991), en diálogo íntimo con las instalaciones recientes, y el vídeo "Nieve en Saro 2004" (2017), que aporta el tono a todo el proyecto. En definitiva, es una inmersión en la obra de una artista de piezas fascinantes que, citando sus palabras, "van surgiendo del silencio, parten del objeto pequeño, tocado, minúsculo", y se trabajan "en voz baja". 

Del 28 noviembre 2017 - 3 febrero 2018

El proyecto #mecomprounaobra, una nueva iniciativa de la Fundación ARCO, buscará poner al alcance de cualquier persona interesada obras de arte con precios inferiores a 2018 euros, con el atractivo añadido de que serán seleccionadas directamente, en cada una de las galerías participantes, por personas con amplia visibilidad pública. Así, un influencer del mundo de la cultura, el cine, la música, la moda, la gastronomía, etc., elegirá una serie de obras que estarán a disposición de los interesados en un espacio privado de las galerías madrileñas durante los días 14, 15 y 16 de diciembre.

El trabajo conjunto con las galerías participantes buscará acercar el arte contemporáneo a un nuevo público, motivado por el poder de movilización que hoy en día tienen las figuras públicas a través de sus canales de comunicación; muchas de las cuales han sido elegidas por las propias galerías y todas ellas con prestigio en sus ámbitos profesionales. Es el caso de la galería García Galería, cuyas obras serán seleccionadas por la diseñadora Ana Locking y de Fernández-Braso, por la modelo Nieves Álvarez. Por su parte, la galería Pilar Sierra contará con la actriz Antonia Sanjuan, mientras que F2 lo hará con la chef Samantha Vallejo-Nágera. Max Estrella confiará la selección de obras a la periodista Marta Riopérez; Travesía Cuatro a la ilustradora Monstruo Espagueti; Espacio Mínimo a Charo Izquierdo, directora de Mercedes-Benz Fashion Week Madrid; y Nogueras Blanchard a Jean Porsche, arquitecto. Otras galerías que han confirmado su participación en este proyecto son: Sabrina Amrani junto a Ianko López; Álvaro Alcázar, que contará con María de León; Formatocomodo con Kike Sarasola; José de la Mano con Joan Matabosch; Rafael Pérez Hernando Arte Contemporáneo con María Blasco; Galería Alegría con Diego Postigo; Moisés Pérez de Albéniz con Fernando González Molina; Ponce + Robles con Tomás Alía; The Goma con Inés Ybarra; Maisterravalbuena con Andrés Rodríguez; Heinrich Ehrhardt con Paco Pintón; y Galería Bacelos con Elena Furiase.

Además, todas las personas que compren obra en el marco de este proyecto recibirán una invitación a ARCOmadrid 2018, que se celebrará del 21 al 25 de febrero en IFEMA.

El fomento del coleccionismo es una de las principales líneas de trabajo de ARCOmadrid, que especialmente a través de la Fundación ARCO desarrolla actividades e iniciativas que buscan apoyar y dar voz a coleccionistas de todo el mundo. Con esta idea surge #mecomprounaobra, un proyecto creado con el objetivo de animar a personas jóvenes con posibilidad de comprar arte y acercarles a este apasionante e interesante mundo.

Además de reconocer la labor esencial de los mecenas privados en el campo de la creación, difusión y conservación del arte contemporáneo, son importantes también las acciones que permiten asegurar el futuro del panorama nacional de coleccionismo. Acercarse a aquellos sectores de la sociedad que hasta ahora no han valorado las posibilidades de coleccionar arte, normalmente por desconocimiento de las múltiples posibilidades que ofrecen las galerías y de la riqueza de la experiencia compartida con galeristas y artistas. Romper con la idea de que para coleccionar son necesarias grandes fortunas, o que el mercado del arte contemporáneo es algo inaccesible. Comprar arte puede formar parte de la autobiografía de cada uno; un hito importante en la vida vinculado a la obra de un artista con la que luego conviviremos.