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Matadero Madrid acoge, en el marco de la programación de Perú como país invitado de ARCOMadrid 2019, la exposición colectiva Amazonías, que reúne un centenar de propuestas de 46 autores peruanos y latinoamericanos provenientes de la colección del MALI, una de las más amplias y representativas de toda Latinoamérica, y de otras importantes colecciones privadas.

El título Amazonías, en su condición plural, refleja la multiplicidad de miradas artísticas sobre este espacio geográfico y social, históricamente relegado, que ocupa una importante proporción del territorio peruano. Lejos de una voluntad etnográfica o antropológica, las obras reunidas se articulan como representaciones y reflexiones sobre la Amazonía, combinando la producción de artistas que operan en el llamado circuito del arte contemporáneo internacional, con la obra de creadores indígenas que actualizan los lenguajes visuales para plantear nuevas aproximaciones a sus contextos y tradiciones. La exposición incluye una amplia variedad de obras contemporáneas e históricas de materiales y soportes que van desde pinturas, esculturas, fotografías e instalaciones a piezas tradicionales de la región como cerámicas o textiles shipibos.

La región amazónica es uno de los territorios en los que se debaten temas cruciales para la vida contemporánea: desde la lucha por los derechos de comunidades indígenas y la preservación de sus saberes ancestrales hasta la conservación de un medio natural vital para la supervivencia global. La revisión de la producción artística de esta región, durante mucho tiempo excluida de la historiografía del arte local, hacen de esta exposición un punto de partida para el conocimiento y difusión de uno de los procesos artísticos latinoamericanos más desconocidos.

La exposición se articula en torno a cuatro secciones. La primera de ellas, titulada La construcción de la idea de Amazonía, presenta un conjunto de obras de artistas contemporáneos peruanos que, junto a algunas otras piezas de artistas internacionales, han volcado la mirada a este vasto y complejo territorio. La sección Visiones del cosmos reúne desde trabajos de artistas indígenas amazónicos sobre las complejas cosmovisiones y mitología de sus Pueblos –Shipibo, Tikuna, Asháninka, Huitoto y Awajún–; hasta la producción pictórica de artistas visionarios que parten de exploraciones espirituales con el ayahuasca, para desarrollar obras caracterizadas por efectos visuales que los vinculan con el arte óptico, electrónico o psicodélico.

Territorio esquivo, la tercera sección, reúne obras que muestran diversas maneras de mirar y concebir el paisaje: desde representaciones pictóricas en las que el espacio es compartido con otros seres vivos y cuyo hábitat no está demarcado geométricamente; pasando por representaciones que elaboran alternativas a la idea de paisaje o aquellas que lo abordan como un espacio en disputa donde se debate la supervivencia del ecosistema.
Finalmente, el grupo de obras reunidos en las secciones Lo urbano tropical y la memoria de la comunidad, buscan preservar la memoria de la Amazonía, así como retratar y documentar los modos de vida, tanto en los centros urbanos como en las comunidades.

Los artistas participantes en la muestra son: Natividad Achuag, Gianfranco Annichini, Celia Antuash, Julia Apikai, Juan Enrique Bedoya, Christian Bendayán, Lastenia Canayo (Pecón Quena), Enrique Casanto, Wilberto Casanto, Francisco Casas, Raimond Chaves, Harry Chávez, Victor Churay, Juanjo Fernández, Norberto Fernández, Sandra Gamarra, Sheroanawe Hakihiiwe, Eduardo Hirose, Roberto Huarcaya, Orfelinda Huite, Victorina Huite, Morfi Jiménez, Nancy La Rosa, Vera Lentz, Gilda Mantilla, Francesco Mariotti, Carlos Motta, Musuk Nolte, Dimas Paredes, Gerardo Petsaín, Harry Pinedo (Inin Metsa), Roldán Pinedo (Shöyan Shëca), Adrián Portugal, Amelia Quiaco, Julia Quiaco, José Alejandro Restrepo, Abel Rodríguez Muinane (Mogaje Guihu), Brus Rubio, Leslie Searles, Elena Valera (Bawan Jisbe), Emerita Wampash, Armando Williams, Antonio Wong Rengifo, Rember Yahuarcani y Santiago Yahuarcani 

Comisariado: Gredna Landolt y Sharon Lerner
Inauguración, viernes 22 de febrero a las 19.30 h.

El Museo Sorolla acoge Cazando impresiones. Sorolla en pequeño formato, una muestra comisariada po María López Fernández, Consuelo Luca de Tena y Blanca Pons-Sorolla

A lo largo de su vida, Joaquín Sorolla llegó a pintar cerca de dos mil óleos sobre cartones o tabillas de muy pequeño tamaño. Sorolla los llamaba generalmente “apuntes” pero, a veces, se refería a ellos como “manchas” o “notas de color”. Estas tablitas le permitían recoger con rapidez ideas o impresiones de cosas vistas, en obras independientes que iban más allá de un simple boceto.

Si en un principio se consideraron obras íntimas, productos inacabados del trabajo del pintor, pronto se apreció en ellas tanto su libertad creativa. Pequeños en tamaño, pero grandes en audacia, contienen ráfagas del Sorolla más brillante. 

La Sala Fundación MAPFRE Recoletos acoge De Chagall a Malévich: el arte en revolución, una exposición que reúne más de 90 obras y 23 publicaciones de los artistas que vivieron la transformación de una sociedad llena de esperanza y convencida de que con la revolución había empezado un mundo nuevo.

A principios del siglo XX Rusia se consolidó como uno de los centros de la vanguardia artística mundial del que surgieron algunas de las propuestas más radicales y revolucionarias del arte y el diseño modernos. Muchos artistas del país viajaron a Francia y Alemania, donde entraron en contacto con los movimientos culturales más avanzados, y algunos coleccionistas cumplieron un papel clave al adquirir numerosas obras vanguardistas en las galerías de París, para fomentar la difusión de ese arte nuevo en las capitales rusas.

El ambiente social que desembocó en la Revolución de Octubre de 1917 explica de qué modo las propuestas de estos artistas acompañaron, anunciaron o glosaron lo que iba a ser el proceso revolucionario y el cambio de paradigma que conllevó su llegada.

Porque no fue la revolución la que forjó las vanguardias y la modernidad: fueron los artistas los que se erigieron en revolucionarios, seguros de que cuando llegara la revolución se convertiría en lo que esperaban, y, por consiguiente, en lo que la misma esperaba de ellos. La realidad no cumplió sus expectativas, dando origen a desilusiones, que también fueron las semillas de un nuevo lenguaje visual.

La muestra tiene como figuras de referencia a Marc Chagall y Kazimir Malévich, en la medida en que representan dos polos en las innovaciones de la vanguardia pictórica: el caso de Chagall, más poético y narrativo que abre el camino al surrealismo; el de Malévich, más radical y tendente a la abstracción geométrica. Entre ambos se despliega la obra de otros veintisiete artistas que trabajan la pintura y la escultura al tiempo que contestan los principios fundamentales de esas artes. En el elenco de creadores es destacable la presencia de una importante nómina de mujeres artistas, cuyo trabajo resultó fundamental en el desarrollo de las vanguardias rusas previo y posterior a la Revolución de Octubre. Entre otros, Natalia Goncharova, Liubov Popova, El Lisitski, Vassily Kandinsky o Alexandr Ródchenko, así como de una selección de artistas responsables de la renovación del campo del diseño gráfico, que vive un extraordinario desarrollo en esas décadas de fervor creativo y compromiso político.

La exposición concluye en los años treinta, momento crítico en que los artistas ven reducida su capacidad de acción ante la evolución del régimen hacia un estado totalitario.